影片中音乐：

唱片中音乐：

总体评价：

《驯龙记》（How To Train Your Dragon）是英国配乐师约翰•鲍威尔（John Powell）继梦工厂的《功夫熊猫》，《小鸡快跑》，《小蚁雄兵》，《史莱克》等影片后的又一部配乐作品。无论熊猫，公鸡，蚂蚁还是绿油油的丑八怪，他的音乐总能赋予这些动画荧幕上的另类主角们以充满生气的鲜活形象，更何况这次轮到的是一只本身就萌到了顶点的小飞龙。而像维京海盗这样的冒险题材为主题的影片也是经历过大量动作片励炼的这位英国作曲家所擅长的，从早期的《变脸》，到《史密斯夫妇》，最后到著名的《谍影重重》三部曲，鲍威尔凭借自己扎实的古典功底和年轻时代电子音乐的熏陶成功地将二者有机地结合。因此，有了这两点作为坚实的后盾，《驯龙记》的配乐也理所当然的成为了上半年好莱坞电影配乐季上一颗闪亮的明星。

与前年的《功夫熊猫》一样，《驯龙记》也是一部以民族化元素为主的作品。但可惜的是，影片涉及的这个生活在一千多年以前的维京群体并没有留下任何能为后人带来灵感的音乐素材史料，所以，音乐再创造就成作曲家们为维京题材电影配乐的首要任务。著名的电影配乐大师杰里•戈德史密斯（Jerry Goldsmith）就曾经用中东音乐元素为以维京人为背景的电影《第十三个勇士》（The 13th Warrior）创作音乐，但这个想法主要还是基于影片本身的阿拉伯元素而考虑。而如今面对这样一个庞大维京群体，鲍威尔则直观地将现在的北欧音乐和西欧凯尔特文化融合，成就了现在的《驯龙记》配乐。其实早在去年的四月，梦工厂动画宣布就签下了鲍威尔为《驯龙记》创作音乐，而这近一年的准备也给了他充分的时间来衡量构思整部配乐的布局。大体上，音乐始终都以极具凯尔特民族风格的快步舞曲为基调进行创作——奔放，流畅，完全有别于其他的同类型配乐作品，再加上运用了苏格兰风笛，挪威哈登根琴，爱尔兰哨笛这样的欧洲传统乐器，让音乐始终保持在一种浓郁的欧陆风情中。

此外，配乐还与之前鲍威尔创作的很多动画片作品一样，运用了多主题式的构架对影片进行宏观把握。从开场的全景描绘这里我们就可以完整地听到鲍威尔为这部影片创作的几乎所有的音乐主题，即使是贯穿了合唱凸显的战斗主题，弦乐群带来的爱情主题，轻巧的单簧管演绎出的小嗝嗝（Hiccup）主题以及伯克岛主题这样的海量大型音乐段落，开篇配乐仍然显得活而不乱，体现了相当精湛的编曲和创作技巧。同样，音乐的画面质感同样也非常强烈，这一点还得得益于他本人早期在汉斯•寂寞工作室所受到的影响，这不仅体现在音乐调性与画面调性的统一上，而且还体现在“米老鼠”式的音画结合的细节技巧上，如果看电影时足够仔细，你还能发现音乐节奏甚至能与人物在影片中蹦蹦跳跳的步调保持一致。

当然了，影片本身除了讲屠龙这样一个冒险故事外，更多的着墨点还是放在了人与飞龙间的友谊上，音乐当然也不例外。因此，配乐运用电子合成器，极具灵动色彩的跳跃性钢琴旋律和大型的乐队全奏这样层层推进地多元化表现手法重现了从陌生，到试探，直至最后成为朋友的全过程。飞行场景也运用一种带有充满了能量的打击乐和凯尔特风格的民族交响进行塑造，颠覆了往常很多影片带给人们的听觉体验，再配合上犹如过山车般的画面，显得动感十足。而影片最后高潮的战斗则明显展现了鲍威尔之前的动作片风貌，多主题变奏的引入与丰满的音乐层次构架配合上宏大的人声效果完善了整部配乐，让这些看似无关的多场景完美的融到了一起。

虽然鲍威尔这种庞大的音乐结构与画面搭配起来确实应景，但是单听起来却略显杂乱。这次光是管弦编曲就达到了七人之多，也可见其复杂程度，不过即便如此，《驯龙记》配乐无论是旋律还是技巧上看来都是当今极具价值的作品之一，它的成功除了鲍威尔本人的精心创作外，同样还得得益于梦工厂动画近些年质量的突飞猛进，再加上与汉斯•寂寞旗下的商业配乐人们保持的长期合作关系也使他们更加完善了动画片音乐的制作体系。而作为皮克斯工作室的一个优秀竞争对手，二者近几年在作品配乐上的开始趋近白热化的竞争，这也正是如今好莱坞配乐市场上动画片现在能持续击败真人剧情片的强有力的先决条件。最后，《驯龙记》配乐的成功也足以能让詹姆斯•霍纳这位同为英国国籍的并一直宣称自己致力于爱尔兰民族发展音乐的大师汗颜——原来不怎么用苏格兰风笛也是能搞定这么牛逼的民族化配乐的。

原载于《深圳晶报》6月2日，转载请注明原作者和所属链接

影片中音乐：
唱片中音乐：
总体评价：

本来《诸神之战》（Clash of the Titans）的配乐是要交给之前与导演合作过《无敌浩克》（The Incredible Hulk）的苏格兰作曲家克雷格·阿姆斯特朗（Craig Armstrong）完成，怎奈后来本片配乐易手，便交给了MV旗下的音乐人拉敏·亚瓦蒂（Ramin Djawadi）。这位音乐人在国内被人熟知可能还是要得益于美剧《越狱》（Prison Break）系列的盛行，而这位仁兄后来再接手《钢铁侠》（Iron Man）这样的大片也只是《越狱》成名后的事情了。

影片翻拍自1982年的同名电影。当年，美国配乐大师劳伦斯·罗森德尔（Laurence Rosenthal）接手了这部与新版无论从故事还是角色等方面比较都大相径庭的影片配乐。而且由于条件限制老版影片还停留在定格动画，幕布特效以及舞台剧这样的表现方式，再加上影片本身的弱势配乐也没有太多可圈可点之处。但与新版相比较来说，老版配乐对角色的刻画还是更入木三分，也算是一次中规中矩的答卷。

20年过去了，成熟的电影工业显然已经不再拘泥于早期电影的表现形式而变得越来越灵活和多元化，配乐亦是如此。随着更多青年人加入电影音乐作曲领域，传统管弦乐也并非当今配乐的主流，现如今当更多的话语权掌握在越来越多的中生代配乐人及新人手上的时候，也许就是电影音乐一个新形势的开始。那么，《诸神之战》就是这个新形势下的产物之一。

我现在已经不奢望能够在今后的越来越多的新片配乐里听到韵味的十足的正统管弦和绚烂音色，相反的是，我只希望能够还能得到几段入耳的主题和应景音乐。但可惜，我最后的夙愿也在《诸神之战》中破灭了——如果你还能忍受已经听了14年的《红潮风暴》的话。

不可否认，《诸神之战》在创作上依然保留了音乐主题这一优良传统（不要笑我这么说，我最近已经听了很多连主题都没有配乐了），拉敏·亚瓦蒂沿用了他的老师汉斯·寂寞创造的一个十六分音垫底配以合声，铜管亦或弦乐器合奏的配乐大法完成了影片男主角珀修斯的主题，而剩下的人物，诸如蛇发女妖美杜莎主题则运用了大量电子合成器声效完成……这样的主题构架不仅陈旧，散乱无章，而且完全不具备音乐主题所具备的高度识别性，也难怪艾美奖上个月还打算在明年取消最佳主题这个音乐奖分支。

但话虽如此，我还是暂且认为配乐这般模样的原因是因为创作周期太短和影片本身的劣势造成的。作为这样的史诗电影，两个小时早就已经达到了我的忍耐极限，甚至连我期待的动作配乐表现机会都几乎不见踪影，观影过程中始终充斥着大量音效和毫无章法的氛围音效。

于是，鉴于这部电影给我造成的毁灭性打击，我决定从今开始降低我对配乐的评判标准。肖恩·莫非（Shawn Murphy）这位录音大师接手都是精品的定律现在已经彻彻底底，完完全全地被打破了。

唱片信息：

发售日期：2010年04月12日
发行公司：索尼唱片
曲目列表：
1. The Storm That Brought Me To You – Neil Davidge, Tina Dico, Ramin Djawadi (4:50)
2. There Is A God In You (1:38)
3. Perseus (6:33)
4. You Can’t Hide From Hades (3:30)
5. Medusa (4:07)
6. Scorpiox (3:23)
7. Argos (1:53)
8. You Fall, You Die (1:14)
9. Written In The Stars (2:54)
10. Pegasus (2:22)
11. Bring Everything (But The Owl) (1:47)
12. Killed By A God (1:50)
13. Djinn (1:56)
14. Eyes Down (4:19)
15. You Were Saved For A Reason (1:20)
16. Redemption Through Blood (2:14)
17. I Have Everything I Need (3:15)
18. King Acrisius (2:27)
19. It’s Expensive Where You’re Going (2:50)
20. Be My Weapon – Neil Davidge (10:09)
21. The Best Of Both (1:29)
22. Release The Kraken (6:03)

米梅高唱片公司于1946年由米高梅电影公司（Metro-Goldwyn-Mayer）创立，虽然是创建最早，可惜它的寿命并没有持续太久，仅仅成立不到30年就被出售了，而现存的米梅高音乐（MGM Music）则是在1986年以方便发行米梅高公司现有音乐版权的唱片的目的而重新建立的。在被宝丽金唱片（PolyGram）于1972年收购之后，米梅高唱片就开始逐步减少唱片发行量直到1982年公司业务全面停止。随后，米梅高唱片的流行音乐版权交给环球音乐掌控，电影音乐版权则交给了犀牛唱片（Rhino Records）。所以现在，我们可以听到大量由犀牛唱片出版的如马克思·斯坦纳（Max Steiner）的《乱世佳人》，米柯罗斯·罗萨（Miklós Rózsa）的《宾虚》，阿尔弗雷德·纽曼（Alfred Newman）《西部开拓史》等这样米梅高经典早期作品的完整版原始配乐录音。

作为好莱坞五大发行公司之一的二十世纪福克斯（20th Century-Fox）自然也少不了拥有自己的唱片发行机构。二十世纪福克斯唱片虽然也只有数十年的生命值，但它却创造了一个900万张发行奇迹，这个奇迹就是很多人熟知的那张卡尔·道格拉斯（Carl Douglas）的《功夫快打》（Kung Fu Fighting），这首著名的功夫歌曲最近的一次重现是在2008年的梦工厂动画《功夫熊猫》（Kung Fu Panda）。但同样是好景不长，由于财务亏损等多方面影响。1958年成立的二十世纪福克斯唱片于1982年被整体出售给宝丽金。直到1991年，二十世纪福克斯才再次开启了唱片公司的运营计划，成立了专门发行原声唱片的二十世纪福克斯电影音乐公司（20th Century Fox Film Scores）和福克斯唱片（Fox Records）。1993年，二十世纪福克斯电影音乐公司专门推出了福克斯经典系列（The Fox Classic Series）这个条目，出版了一系列像《地球停转之日》（The Day the Earth Stood Still），《青山翠谷》（How Green Was My Valley），《星球大战》（Star Wars）这样的早期经典配乐。但随着公司与音乐工会之间的纠纷的日益严重，该系列在后期的出版也是时断时续，直到1997年福克斯唱片与VSD公司签署了版权协议后，福克斯经典系列才得以在VSD公司名下继续生存，并发行了更多的如《地心游记》（Journey to the Center of the Earth），《人猿星球》（Planet of the Apes）这样的作品。

最后再来说一家较年轻的公司，这就是由斯皮尔伯格于1996年创办的梦工厂旗下的梦工厂唱片（Dream Works Records）。虽然有着大导演斯皮尔伯格响当当的名号，但同样摆脱不了被关闭的命运。仅仅2003年，梦工厂就将该公司出售给了环球音乐，虽然环球在后期对此进行大笔投入，但是微薄的盈利也不得不让其在2006年痛下决心将其关闭。至于梦工厂的音乐版权则是交给了索尼/ATV音乐出版公司（Sony/ATV（看专业评论） Music Publishing）。

虽然这些厂牌背后都有着各大电影发行厂商为后台以提供强有力的依托，但却仍然逃离不了被关闭或者被出售的命运。从当时看来，首要原因还是要归因于电影音乐的过于小众化，尤其是这种对当时来说是刚起步的唱片产业；而与现在如雨后春笋般冒出的成功的专业原声的厂牌相比，这些公司显然又在经营策略上有相当大的局限性：无论是发行数量，还是经典作品重录，重新混音等一系列多方位营销手段，早期电影音乐唱片公司都并不具备这样的时代优越性，自然容易被困住。因此，用“生不逢时”四个字来形容这些公司的命运显然是再合适不过了。网易娱乐专稿

原文链接：http://ent.163.com/10/0525/17/67I161TI00031H0O.html

         在今年的奥斯卡颁奖典礼上，《飞屋环游记》（Up）和《阿凡达》（Avatar）无疑是配乐奖项上两颗最为耀眼的明星，两部影片的音乐都拥有相当出色的画面表现功力和极高的人气，但最终还是《飞屋环游记》更胜一筹，学院把最佳原著音乐奖的小金人颁给了年轻的迈克•吉亚奇诺（Michael Giacchino），《阿凡达》的作曲家詹姆斯•霍纳（James Horner）则与该奖项再一次失之交臂。不过要真论及两部作品哪个更值得拿奖，这个问题也确实难以回答，就两部作品本身来说都不完美，而且去年电影音乐产业的整体低迷本来就让今年奥斯卡奖的价值失色不少。但不管怎么说，一个是正在发奋努力中生代配乐人，一个是好莱坞资历丰富的大师，在这个新老交替的年代更应该以包容心看待，得奖与否并不是重点，因为一部好的配乐作品总是在适时的时候才会闪耀光芒。

数字与实体的对决

         《阿凡达》作为一部商业片，无疑在影片周边下了很大功夫，这一点在原声唱片的发行上就有体现。但作为好莱坞电影发行的必备品，如今的电影音乐唱片工业已经处在一个尴尬的处境。本想用这次的全《泰坦尼克号》（Titanic）音乐创作班底来再次激活这个产业，可没想到最后十万的实体唱片销量与当年《泰坦尼克号》的破纪录的两千万销量比起简直是小巫见大巫。而如此原因并非因为质量不及后者，《阿凡达》的音乐包装也大体上是按照《泰坦尼克号》的模式进行，因此无论是配乐的创作动机还是主题歌的表现都体现了一种大制作的诚意。但事实是，P2P下载的冲击和数字唱片发行的普及直接导致了实体唱片市场普及率的降低，而相对小众的现代电影音乐市场则更是持续走低。原声唱片发行届的大佬Varèse Sarabande公司，在坚守了将近23年的实体唱片产业后，也不得不在去年推出自己的数字发行条目来对付这日益严重的实体唱片销量下滑危机。
         不过从另一个角度来说，十万这个数字也算是在这个低迷的产业做个一个不太糟糕的表率作用，毕竟这六位数的实体唱片销量与网络销量的总数加在一起还是能说明这部电影的配乐是能让乐迷们是买账的，也是音乐创作质量的一种体现。

未来与野性的探索

         詹姆斯•霍纳从初期接手《阿凡达》到完成全部音乐的创作录制，总共花费了将近两年的时间，这种只有在早期才会出现的长时间全程跟进的创作模式在如今好莱坞的电影音乐领域是相当罕见的。尤其是在好莱坞工业逐步进入快餐化，程式化轨道过程中，能够潜下心来专门为某一部作品进行创作无疑也是一种作曲家高度敬业的工作态度和与导演良好的合作关系的体现。
         《阿凡达》是作曲家詹姆斯•霍纳与导演詹姆斯•卡梅隆（James Cameron）的第三次聚首，虽然次数不多，但无论是八十年代的《异形2》（Aliens）还是九十年代的《泰坦尼克号》，它们的音乐表现都堪称经典，而二人在本世纪头十年末期的又一次携手，无疑是想再创造一个十年神话。
         像《星球大战》（Star Wars）系列，《星际迷航》（Star Treck）系列以及《超人》（Superman）系列这样的经典科幻片，一向都少不了一首气势磅礴的开场序曲，这都是当时受到歌剧影响而成为了当时不可或缺的配乐元素。可是时过境迁，尤其是在像《阿凡达》这样以视觉特效为重的影片中，过分的音乐烘托无疑会适得其反。因此作曲家詹姆斯•霍纳在本片的音乐包装上也并没有运用特别突兀的旋律来支撑起整个音乐构架，甚至在主题的运用上除了某一两段极为重要的以外，都不具备很清晰的识别轮廓，所以整个音乐元素的体现大都集中在配乐的细节表现上。
         为了表现出一百多年后的世界观，霍纳放弃了在配乐中大量使用传统乐器作为音乐的主导，转而运用电子合成器与大量的乐器改造来完成这个幻想中的未来世界的塑造。同时，音乐在时空穿梭时也不忘在情绪上带一些末世的悲情色彩，影片中那些被刻意弱化的音乐元素无疑是在对极具冲击力的视觉体验让步。
但相比之下，音乐的着墨点更多的还是放在了那些原生态气息的刻画上。这种原生态的表现就涵盖了世界性音乐的多元化和演奏乐器的多样化上。霍纳本人在汲取了他之前《启示》（Apocalypto）和《新世界》（The New World）配乐创作思路的基础上，还用自己独到的创作模式对潘多拉（Pandora）星球这个庞大的世界观进行了一个整体的音乐包装。
         配乐中，詹姆斯•霍纳利用声音的数字化技术创造很多种新的声音效果，他将来自于世界各地的民族乐器进行声音采样后，进行重新的合成和混音，然后把这种全新的声音效果在配乐中使用以实现一种具有包容性的，而且是新颖，独一无二的声音造型，这样就很好的符合了詹姆斯•卡梅隆要求的那种“从未经历”过的听觉体验。整个音乐被竖琴和颇具跳跃性音色的合成乐器所引导，用饱含着灵动和起点缀效果的声音来诠释潘多拉这个全新的世界。而音乐创作上也交融着东方小调等大量地域特色的旋律的和脱胎于热带雨林原始部落的鼓点音型节奏。此外，音乐中还使用了大量纳美语的吟唱来体现这种原始文明的特色，而在《变形金刚2》（Transformers: Revenge of the Fallen），《慕尼黑》（Munich）等片配乐中献声过女歌手利斯贝丝•斯科特（Lisbeth Scott）再次用她沧桑的声线为家园树的摧毁而讴歌。
         因此配乐无论是细节渲染还是全局掌控都无不体现了这种异域文化的大局观。

情感与动作的碰撞

         作为商业片的必备元素之一，爱情主线也在《阿凡达》中闪亮登场。霍纳像十多年前的《泰坦尼克号》（Titanic）那样谱写了一个爱情主题，并将这个主题加以扩充，成为了无论是旋律走向还是商业价值都无异于当年《我心永恒》（My Heart Will Go On）的《我懂你》（I See You）。当然不能否认这个主旋律在影片所起到的作用，配乐整体上还是以这个主题为主轴进行发展，从影片初期二人感情的萌芽到中期的飞翔场面，是男女主角最直接的关系体现。
         虽说如此，音乐形象一方面在人物情感间游走外，但其最主要的表现还是在照顾主角杰克（Jake）在潘多拉星球上的冒险经历以及纳威（Na’vi）族与人类人间的斗争。
         这里的配乐就是在之前声音包装的基础上添加了大量的铜管乐器为主奏，并辅以弦乐作为铺垫，这一点可以看出霍纳早期的《星际迷航》中动作场景配乐的影子。而《阿凡达》的动作场面中，霍纳对音乐素材的使用相当直接，不仅体现在铜管的运用，还体现在打击乐乐器和音型丰富运用上。影片高潮的最终决战里，霍纳为此创作了近几年少见的超长乐章，在保证这个长篇乐章不失去音乐的影像表现力和细节魅力的前提下，一方面他采用了较为保守的八度和声，另一方面引用了主题旋律及附属变奏，并配以细节音色加以塑造。

创新与旧念的冲突

         《阿凡达》的音乐出炉后，更多的人把整个评判角度放在了对音乐大局的考虑上。如此看来，善于从自己以往旧作发掘素材的詹姆斯•霍纳显然就站在了对自己不利的一面。再加上人们长期以来大片出好配乐的潜意识（虽然这个观点在最近几年几乎已经失效了）更是蒙蔽了包括笔者在内的人的眼睛。
         如果按照现在人们欣赏的音乐的角度来看，詹姆斯•霍纳的这部配乐大体上是失败的。因为音乐几乎完全沿袭了他一贯的自我借鉴的光荣传统：无论是排箫制造的悬疑音色，还是泛滥成灾的四音动机，甚至整个配乐的主题旋律和商业包装模式都是在按照《泰坦尼克号》的模式进行。但我们要注意的是，既然该作曲家早就被贴上了“自我借鉴”的标签，那么看待他作品的角度就应该做一些调整。
         本片的音乐看似不特别出众，但是其优势在于：它用独特的音乐实验性手段创造出了一个相对完善的音乐体系。这个体系与作曲家阿兰•希尔维斯特利（Alan Silvestri）给《回到未来》（Back to the Future）三部曲打造的一种充满戏谑与流行特色但又不乏未来时尚元素的音乐构架思维有些类似，我们可以很明显的听到，《阿凡达》配乐如论怎样充满霍纳气，但始终都保持在作曲家本人所构造的这个音乐空间内，我想这个就是本片音乐最为神奇的地方。
         但随着最近二十年人们聆听电影音乐模式的逐步变化，再加上产业的浮躁之气，越来越多的听者更以那种在配乐中听到大量的低频“噪音”为喜，而事实上创作者也不大可能有更多的精力投身到电影音乐创新性的探索。而本次两年时间的创作周期就给了詹姆斯•霍纳这样探索的机会，而这种在现在看来较为“另类”的电影音乐的技术革新其实早就在五，六十年前被发扬光大了：无论是五十年代路易斯•拜伦（Louis Barron）和毕比•拜伦（Bebe Barron）两兄弟在《弃星之旅》（Forbidden Planet）把电子合成器首次带进电影配乐，还是六十年代杰瑞•哥德斯密（Jerry Goldsmith）在《人猿星球》（Planet of the Apes）中震音梁（Blaster Beams）的使用，以及他在《巴顿将军》（Patton）中用小号制造的回音器（Echoplex）效果，作曲家们在音乐形象的创造上除了用传统音乐创作技法外，更用自己的创新意识和实验性手段将电影配乐推向另一个高度。

         《飞屋环游记》与《阿凡达》在奥斯卡上的斗争正表明了当今音乐旋律与音乐技术间矛盾的存在，尤其是《飞屋环游记》这样用旋律打动无数人的影片，比起《阿凡达》这样的纯技术流当然是稳坐头把交椅，因为要知道现在一部让人们动情的电影音乐实在是太少了。
         也许，《阿凡达》的配乐在奥斯卡上正是败给了这个时代的固有思维模式；也许，一部好的配乐作品真的需要经过时间的沉淀才会闪耀光芒。

声明：本文原载于《高保真音响》杂志10年5月号，未经作者书面允许，严禁组织和个人擅自转载，摘录，抄袭，篡改本文，违者必究！！

影片中音乐：
唱片中音乐：

        如果要在当今的好莱坞配乐师里评选最具个性的作曲家，那么丹尼•艾夫曼（Danny Elfman）一定是入选者之一，而他与提姆•波顿（Tim Burton）擦出的火花总有其独特的光鲜面。之所以他们合作的作品能给人独到的听/视觉体验是因为他们二人的作品与那些主流好莱坞模式产品相比都能被贴上独有的个性标签：二人乐此不疲地在自己的作品中探索阴暗情调，也竖起了好莱坞电影黑暗哥特风格的一面旗帜。在2005年合作过《僵尸新娘》（Corpse Bride）后，时隔五年，他们再度携手带来了《爱丽丝漫游仙境》（Alice in Wonderland）。丹尼•艾夫曼在这部作品的配乐创作上延续了以往为提姆•波顿作品打造的音乐风格，不过丹尼•艾夫曼最近多年在好莱坞传统配乐领域的涉足又确实对这部电影的配乐产生了一定的影响，因此配乐整体上也和谐得多——虽然个人色彩依旧突出，但相比于早期的《荒唐小混蛋奇遇记》（Pee-Wee’s Big Adventure），《查理与巧克力工厂》（Charlie and the Chocolate Factory），《僵尸新娘》（Corpse Bride）等这样的较为纯粹的鬼怪音乐风格探索来说，明显弱化了很多。
　　
　　纵观《爱丽丝漫游仙境》的整部配乐，更像是一次他早期作品与现代动作片配乐作品的结合。
　　
　　配乐用童声合唱演绎出的爱丽丝主题将音乐串成一条主线，并将这种合唱与主题旋律发展到影片的各个角落，而这样的童声合唱已经俨然成为了提姆•波顿这种童话幻想题材作品里最为有效的配乐手段：从人尽皆知的《剪刀手爱德华》再到去年年初波顿监制的《鬼妈妈》，数十年来这样的标识就一直没有太多改动。这段童声主题好比《剪刀手爱德华》配乐仅用自然大调的五个音就完成一个主题的创作动机一样，试图将配乐保持在一个既纯洁又赋有童真的简单音乐思维里。
　　
　　相比于这些单纯的音乐构思，对于影片的动作场景来说，丹尼•艾夫曼明显补充了大量现代音乐音效和创作手法令其复杂化。这种快节奏的音乐行进方式无疑加速了整部影片叙事的流畅性，而其音乐思维又能发现《通缉令》（Wanted）和去年《机器人9号》（9）这样作品的影子：配乐以突出刚性铜管演绎为主，并填充了很多跳跃性的重音弦乐。这种保守的音乐思维甚至也延续到影片最终的棋盘之战的场景中，丹尼•艾夫曼也只是运用了最基本的合唱和全奏形式带动了配乐的声响来制造大气的音乐场景。如果你还想再发掘音乐在片中的细节表现则明显需要花费一番功夫了。总的说来，音乐除了开始提及的爱丽丝主题，艾夫曼显然没有突出和强调每段配乐的地位，场景间的音乐并不具备他之前音乐作品中所携带的独立性，不过这些音乐也保持了他作品中一贯丰富的管弦配器手段。因此，除了整体的音乐层次和音色都相当丰满外，，配乐还引入了一些流行于19世纪的特殊号角乐器以满足十九世纪中后期的大时期背景。而对影片现实生活的塑造也完全摒弃了后来我们听到的那种极赋幻想色彩的配乐，引用了较为严肃的古典音乐作为素材。
　　
　　《爱丽丝漫游仙境》的热捧，无疑是影迷对近三年没有推出自己的新作品的提姆•波顿的高期待的表达，同时也是乐迷们对丹尼•艾夫曼与提姆•波顿两个怪才的又一次合作的再度追捧。但时过境迁，似乎激有所减退：无论这部影片的配乐如何变换，总体虽看似复杂，但对丹尼•艾夫曼来说恐怕也只是给提姆•波顿提供的一个最简单的解决方案罢了。
　　

·配乐大师Paul Dunlap于3月11日在加州棕榈泉去世，享年90岁。其代表作品有与导演Samuel Fuller合作的《恐怖走廊》（Shock Corridor），《赤裸之吻》（The Naked Kiss） 等。

·世界原声学会将于今年10月21日举办的比利时跟特国际电影节上给英国作曲家约翰巴里颁发终生成就奖，当晚还会举办巴里作品的专场音乐会。

3.23

·John Powell将取代Marco Beltrami为今年的新片《西部英雄约拿·哈克斯》（Jonah Hex）创作配乐。//感谢@elenewton

·Hans Zimmer将携手Alexey Igudesman为纪录片《Jealous of the Birds 》创作配乐。

·今年前奥斯卡最佳音乐奖得主Michael Giacchino，将接手一部CGI动画片《亚瑟·圣诞》（Arthur Christmas）的配乐，该片计划于2011年上映。

·MTV Splash Page日前发表文章称Hans Zimmer将继续为Christopher Nolan的第三部蝙蝠侠电影配乐。

·Marcelo Zarvos替代Brian Reitzell将为影片《海狸先生》（The Beaver）配乐。

·赵季平日前表示已经完成了高希希版《三国演义》的音乐创作。

·作曲家赵季平谈新版《三国》音乐创作。

·著名电影音乐作曲家赵季平将于今年九月在新加坡举办一场个人音乐会，届时将演奏他的最新作品。

3.24

·作曲家Heitor Pereira日前接手一部浪漫爱情喜剧《From Prada To Nada》，该片将于2011年上映。

·作曲家，指挥家，编曲家William Ross昨天在福克斯纽曼录音棚录制由他本人编曲的《 Due Voci 》的配乐。（下图）

·王黎光在今天接受的一次采访中表示，他与北京电影学院合作的中国电影音乐史项目暂时还未开工。

·搜狐音乐将在下个星期三左右推出电影音乐专题，届时会有对几位国内电影音乐人的专访。

3.25

·著名电影配乐大师James Horner日前替代了原本由Atli Örvarsson接手的《功夫梦》(The Karate

Kid)翻拍版配乐计划，这也是他本人自完成耗时两年《阿凡达》配乐后的首部作品，同时也是他的第一部中国题材作品。

3.26

·由配乐家Mark McKenzie创作的为合唱，管风琴，钟琴和交响乐队而作的全新管弦乐作品作品《He Is Alive》将于四月四日复活节在加州的加登格罗夫首演。

·好莱坞碗夏季电影音乐演出季节目出炉，届时将会有George Daugherty，George Fenton，John Williams，David Newman四位作曲家/指挥家轮番上演精彩演出。

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Varèse Sarabande公司Logo

（文/哈利·波菜）原声音乐作为一种音乐分类自然也少不了它的专属唱片厂牌，今天我就来给大家介绍几个比较著名的专门致力于电影音乐唱片发行的公司。

首先不得不提到的是这家成立于1976年的Varèse Sarabande（以下简称“VSD”）公司。作为目前全球最大的老牌电影音乐发行厂牌，它掌握了如今大多数主流电影音乐的发行版权。而现在该公司的执行总监罗伯特•托马森（Robert Townson）也是目前好莱坞中生代作曲家们最强有力的支持者，尤其在无论是唱片发行市场还是电影音乐市场都不景气的当今，这家公司依然坚持为全球电影音乐迷们发行唱片也可谓是原声发行的排头兵。台湾的滚石唱片曾于上世纪九十年代的时候代理过VSD公司在台湾全岛的发行；而位于香港的信昌（Shun Cheon）公司也在香港代理过VSD公司的唱片。不过滚石公司代理的唱片全部是在岛内压盘生产并包装，而信昌公司则是直接代理美版直输盘，仅仅在唱片封底印上信昌代理，美国直输的标签以示区别。所以在现在身处大陆的电影音乐发烧友们经常能够发现淘到两张都是一部作品，一个唱片编号，却有两种不同印刷版本的VSD唱片，其中一张碟片上是精美的全彩印刷，那是当年滚石的；而另一张碟片上只是印着黑黑的电影名称和大大的VSD公司LOGO，不用多说，就是信昌的。现在，由于合同到期和发行体制的转型，这两家公司不再采取“自产自销”的代理模式，而是转换成直接进口等方式进行区域性销售。

VSD公司最庞大的5200系列分支所出版的是当今最新的电影音乐，当年信昌和滚石主要就是代理的这个系列的作品。不过5200系列的早期发行还会涉及一些老版的黑胶转制，部分电影音乐作曲家的非电影音乐作品和少量的电影配乐重录版唱片。截止到2010年3月19日VSD公司官网的数据，5200系列的最新编号已经到了7015——这个就是作曲家詹姆斯•纽顿•霍华德（James Newton Howard）的最新作品《魔法保姆麦克菲2》（Nanny McPhee & The Big Bang）的发行编号。

当然，除了5200这个主要分支外，1989年开始，VSD公司又推出了CD俱乐部（CD Club）系列，这个系列对应着很多从未发行过的配乐作品，并以每张19.98美元的售价限量发行。但其间，由于多方面的因素，这个系列被迫意外中断达九年之久，直到2001年的11月1日，因互联网的普及，重用授权费用降低的政策，以及录音室协作授权协议的出台（Cooperative Studio Licensing），这个系列才得以重见天日。目前CD俱乐部系列的发行不同于以往每季度一次发行的策略，改为每年三次。由于发行次数和发行量的偏少以及高水准的发行质量，这个系列便顺理成章成为了电影原声爱好者们热捧的对象。不过随着销量紧缩，VSD公司也不得不与去年新开辟了一个数字发行条目，将一些配乐新作利用Amazon MP3和iTunes等数字发行媒介发行，而所对应的实体唱片只限量发行1000张，满足一些原声爱好者的收藏需要。除了这三个主流条目外，VSD公司还有部分比较偏门以及目前不再推出新作的分支，因此就不多赘述了。

不过要说到限量发行，还有几家原声发行公司也是非常著名。其中就包括Film Score Monthly，Intrada以及La-La Land。Film Score Monthly就是于1990年建立的《电影音乐月刊》杂志其下属的发行厂牌，该厂牌以黄金年代（Golden Age）和白银年代（Silver Age）为两个主要发行分支，顾名思义，就是发掘好莱坞在这两个时代最具价值的电影配乐作品。而Intrada和La-La Land这两家同样专职发行原声的美国唱片公司，前者于1985年开始进入市场，后者则是在2002年才开始发行自己的第一张唱片，不过La-La Land也还接手少量的非限量版原声新作的发行业务。

在限量版原声发行的初期，很多公司都用手抄编码的方式来实现该唱片存在的唯一性和提高收藏价值。而现在，限量原声发行公司又开始采用作曲家签名等方式来积累自己的发行人气和出货速度，以至于越来越多的原声爱好者每在这些限量唱片开始出货的时候就在电脑前蹲点守候，时机一到便一抢而空。至于为什么众多的电影原声发行公司都热衷于限量版，原因其实还是要归咎于电影音乐发行市场的小众化和当今整个唱片业的低迷，而采取限量的手段不仅能够保证唱片公司快速收回成本，还能够保证发行作品能有很长时间保温期，以便唱片公司的再次洗牌。网易娱乐专稿

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感谢皖南事变，gujun对此文的贡献。

由于去年好莱坞电影配乐本来就竞争力不强，因此能参与进来进行最终对决的作品也是寥寥无几，最终造成了《飞屋环游记》独大的局面。

作为横扫金球，格莱美，以及是今年奥斯卡前颁奖季上配乐奖常客的《飞屋环游记》终于不负众望地拿到了奥斯卡最佳配乐奖，作曲家迈克·吉亚奇诺（右图）也得到了他人生的第一座奥斯卡小金人，这同样也让皮克斯在该奖项多年的陪跑之路走到了终点。

今年的奥斯卡配乐奖无疑是“乱”字当头，没有想到主战场在四大奖项的《阿凡达》与《拆弹部队》居然厮杀到了这种小众项目，这一下就转移了很多人原本坚定的《飞屋环游记》配乐拿奖的信念。而最近几年配乐奖的异域风一吹，又带来了像《了不起的狐狸爸爸》和《大侦探福尔摩斯》这样的民间调调。因此鹬蚌相争，自然是没有太多树敌的《飞屋环游记》得利。

就本身实力而言，《阿凡达》无疑是除《飞屋环游记》外最高的一个，作曲家詹姆斯·霍纳花费了近两年的心思投入到这部作品里，音乐从成片效果上看也相当惊人，甚至在投票期间，投资方福克斯公司还极有诚意地给学院的会员们分发了一套三碟装，时长达2个多小时的FYC（For Your Consideration）唱片，不过这次《阿凡达》的落选恐怕也只能归咎于《飞屋环游记》的强大，以及《阿凡达》配乐发行滞后所导致的一定的人气流失；至于《了不起的狐狸爸爸》则是近几年高产的亚历山大·迪斯普拉特去年作品中比较特别的一部，它的特别就在于完全抛开了之前迪斯普拉特擅长的较严肃欧洲管弦乐，取代的是灵活多变的乡村小调，但影片本身的弱势并没有让这部配乐引来太多的关注度；而对于近十年都未得到奥斯卡提名的汉斯·季默来说，去年学院与《黑暗骑士》配乐的纠纷无疑让他元气大伤，而《大侦探福尔摩斯》的提名完全可以看做是学院对他这几年一点小小的安慰罢了，因为其音乐的创作性质决定了他目前很难再次重现《狮子王》这样的激情了；最后的提名黑马《拆弹专家》则是这五部作品里最不占据优势的，音乐在影片中的弱化无法让它在这个奖项有更多立足空间，它所带来的也只是给马可·贝尔崔米在该奖项的第二次提名和巴克·桑德斯这个多年幕后音乐人在奥斯卡上的首次现身，没有获奖也是相当正常的事情。

作为一名电影音乐界的后起之秀，吉亚奇诺现在已跻身于好莱坞一线配乐家行列，当年还在茱莉亚音乐学院夜校发奋的他今日也终于站在了人生的最顶峰。自从1996年《侏罗纪公园2》的PS游戏音乐而受到大导演斯皮尔伯格青睐后，他在配乐的道路上也越走越顺，近几年更是接手了像《超人特工队》、《碟中谍3》、《料理鼠王》、《飞屋环游记》、《迷失》、《星际迷航11》这样的一系列当红影视剧配乐。当然，这一切的一切除了要归功于遇到了像皮克斯与导演J·J·艾布拉姆斯这样出色的赏识者外，更少不了他本人多年来的勤奋和努力。

原载于《深圳晶报》3月10日综艺版

作为一部传记电影，《艾米莉亚》（Amelia）并没有能给我们在去年年末带来更多惊喜，而作为黎巴嫩作曲家盖布瑞·雅德（Gabriel Yared）几年后重回人们视线的一部配乐作品，除了那段能给众人留下了美到极致的主题后似乎也就再也没有其他什么值得留恋的东西。自从《特洛伊》的被拒配乐惊艳了一把后，盖布瑞·雅德这个名字在好莱坞就再也没有被太多的人提起，最近几年混迹于欧洲影坛的他终于在去年又被印度女导演米拉·奈尔（Mira Nair）请回好莱坞为这个美国传奇女英雄艾米莉亚的传记影片谱写音乐。

　　影片本身并没有太多可圈可点之处，杂乱的叙事甚至让人在观影过程中完全找不到重点。而就音乐而言，雅德相当冒险的采用了单主题为影片塑造音乐，于是问题就出现在，影片海量的全景镜头让音乐几乎只强调出了这个飞行主题，而反复出现的主题让配乐忽略了其他所有细节部分（当然，也不能说完全没有）。这样一来，忽略掉的配乐细节让影片整个变成了一部风光片。此外，这个主题还兼任对影片中爱情的音乐描写，以至于我本人不得不多次膜拜这个主题在影片中发挥出的如此强大的功能性作用。当然，如果单论这个飞行主题如何，那么答案一定是“完美”二字：音乐里充满着的对自然与挑战的赞美之情与影片开场音画的完美结合能把人的思绪一下子拉到《走出非洲》（Out of Africa）里约翰·巴里（John Barry）的创作精华。
　　
　　配乐中的动作场景也略显平庸，首先是因为盖布瑞·雅德对这种场景的把握并不是常规的大型乐队，而是比较精简的小型乐队，再加上音乐实际采用的都是比较弱的打击乐器或者是环境旋律，因此无论是从配乐声响还是从最后的实际效果看来，影片的声效和画面明显在这个场景里更占优势。而其他的音乐效果上，尤其是对美国二，三十年代的环境表现，仍然采用的是传统的爵士曲调，这里就不再赘述了。
　　
　　对我本人来说，最终配乐效果并没有预想和外界评论的那般美好：呈现的比较直接，得到了影片最想要诠释的重点，但是失去了对影片其他细节的考究。音乐本身更偏向于二十多年前的好莱坞浪漫主义情怀，但是又没有当时的那样纯粹：你可以因为这段绝美的主题而爱它到死，也可以因为音乐中偏现代音乐特征和洗脑式的反复而恨之入骨。这就要看你们自己了。

影片中音乐：1/2

唱片中音乐：

（文/哈利·波菜）汉斯•季末（Hans Zimmer）的《福尔摩斯》（Sherlock Holmes）配乐终于在粉丝的欢呼雀跃下闪亮登场，闪亮得甚至照到了奥斯卡的舞台上。不过就很多人来说，汉斯•季末这次继《角斗士》后的又一次亮相显然不及他的那些早期提名作来的过瘾，毕竟这次的音乐路线相对于其本身固有的创作风格来说相当另类。不过，无论是气势还是旋律也都确实不是《福尔摩斯》这部配乐想要强调的重点。

作为如今好莱坞电影配乐界的先锋人物，汉斯•季末的程式化音乐越玩越火，火得已经被越来越多的业内人称为诟病。而发掘新的创作思路也成为了他的音乐目前最需要的东西。年末奉上的这部热腾腾的《福尔摩斯》配乐似乎就是在这种情况下孕育而生的作品。《福尔摩斯》的影像化佳作早就不胜枚举，而如果你已经听惯了像米柯罗斯•罗萨（Miklós Rózsa）创作的《福尔摩斯秘史》（The Private Life of Sherlock Holmes），或者是帕特里克•格维尔斯（Patrick Gowers）为经典《福尔摩斯》剧集创作的这样相对传统的配乐的话，那么新《福尔摩斯》的配乐一定会被你认为是一场“灾难”。不过这场“灾难”的诞生也并非空穴来风，因为就影片来说，相比于早期的《福尔摩斯》作品，本片导演盖•里奇（Guy Ritchie）更偏向于还原福尔摩斯这个经典小说的本质形象，试图从他的行事及性格等内在角度去重新塑造，而不是从破案手法等技术层面上进行再次突破。因此，既然影像表现上有别于其他的福尔摩斯，那么音乐当然也不能例外，音乐于是把重点自然而然的放在了用一种别样的方式来刻画和重新诠释福尔摩斯这个人物上。

这种“别样化”的音乐正如我们所听到的，是一种民间音乐素材与现代音乐元素的融合。它的的灵感正是来源于导演里奇在英国经营的一家酒吧里的小型乐队，这个乐队经常会在酒吧里演奏一些爱尔兰民族音乐。这便引发了汉斯•季末最初的音乐构想——将一种另类的音乐创作手段与导演里奇的这种风格化影像相互烘托。为了实现这种效果，他专门从世界各地请来了几个乐手，运用了相当多的非传统乐器来完成这个小型乐队的组建工作，像手风琴，班卓琴，匈牙利的大扬琴都作为音乐的主奏乐器出现，而一架被拆了半边的旧钢琴也是音乐演绎的亮点。这样一个小型乐队相对于他的一些大型交响乐队作品来说有着更加灵活的演绎风格，音乐结构更为轻巧多变。而这样一部具有多元化风格的配乐作品也正是汉斯•季末所擅长的，因此配乐在某些特定场合，我们还能听到不少诸如吉普赛或者是探戈这样曲风的配乐。

音乐除此之外还采用了一个逆向思维实现了对福尔摩斯本人的塑造。原著中的福尔摩斯是一个在等各方面都相当有造诣的人，尤其是在艺术上，他能拉出一手很棒的小提琴。因此这件乐器也成为了很多《福尔摩斯》早期配乐中的重要素材。汉斯•季末显然注意到了这一点，但是他将音乐中的小提琴故意激化处理，采用了相当不和谐的旋律与凄厉的小提琴“惨叫”作为重点，演奏中，他将琴弓紧贴在弦上撕扯出有着些许异域调调的音乐，硬是把福尔摩斯这样的音乐才子包装成如同爱因斯坦般有着聪明才智但却是一个让人惨不忍听的小提琴手的形象。

其实，这样的音乐配置很容易把观众从车水马龙的伦敦贝克街一下子带到了喧嚣嘈杂的大都市，将传统意义上严肃的《福尔摩斯》打造成一个极具现代气息又不乏嬉闹调侃色彩的作品。

如果音乐始终保持这样的风格前进一定会为汉斯•季末带来很多赞许的目光。但是，如果音乐一直坚持这种色彩，又一定会让配乐对影像情绪的处理上大打折扣。那么，汉斯•季末用到泛滥的电子合成器和厚重的弦乐群成为了不二选择。这一点尤其是在影片后期的表现特别突出，配乐中使用了大量的低音乐器与音色渲染出非常浓厚的悬疑情绪。但这样的配乐极少考虑音乐的旋律性问题，更注重的是对影片氛围的营造。相比于前半部分的配乐缺少的是那种放荡不羁的灵气，因此不得不又把配乐扯进了汉斯•季末自己建起的一个死胡同。有人说，现在的电影配乐就是用乐器制作出来的声效。此话不假，技巧性的配乐现如今早就不是主流，而这样一种快餐式的配乐手法对当今发展迅猛的好莱坞电影工业，尤其是像《福尔摩斯》这样的标准好莱坞大片制作确实又是一道不可多得的菜。

其实，《福尔摩斯》配乐提名奥斯卡也的确是一件出乎意料的事情。尤其是奥斯卡前的颁奖季上，这部配乐作品并不是常客，但它甚至挤下了呼声很高的《告密者》。如果我们把音乐深究下去会发现始终脱摆脱不掉像《天使与魔鬼》亦或是《达芬奇密码》这样的动作冒险片配乐的影子，而再深究下去的话就又可以发现完全具备《天使与魔鬼》里的N大元素，宗教，谋杀等必备条件，只是除了配乐里小提琴相比之下更“惨”一点外，还有什么真正意义上的区别呢？求高人解答……网易娱乐独家专稿，转载请注明出处！

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